EMERGE '12

Entrevista a Rafael Pérez Hernando y Francisco Carpio

Aunque sus orígenes se remontan a 1996, la Galería Rafael Pérez Hernando abrió oficialmente sus puertas en el año 2004. Desde entonces, se ha esforzado en promocionar a artistas poco conocidos. Yo visité por primera vez la galería hace tres años y me encontré con una exposición dedicada a Giorgio Griffa, un veterano con una sólida trayectoria pero muy poco conocido en España. Aunque casos como este no son poco habituales, la galería se caracteriza por su interés en artistas emergentes. No sorprende, por tanto, que el título de su exposición actual sea “EMERGE”. La muestra nace de una colaboración con la Universidad Francisco de Vitoria, que anualmente convoca un concurso en el que estudiantes de arte de toda España presentan sus proyectos de final de carrera. Este año, a los ganadores se les ha dado la oportunidad de ver su obra expuesta en esta galería madrileña. Aunque la exposición cierra sus puertas esta semana, me ha parecido interesante conocer la opinión de Francisco Carpio –comisario de la exposición y profesor en la Francisco de Vitoria– y el propio Rafael Pérez Hernando acerca de la exposición.

PREGUNTA. La galería abrió sus puertas hace ocho años: ¿qué le lleva a uno a abrir una galería de arte?

RAFAEL PÉREZ HERNANDO. Necesidad personal.

P. Gracias a su galería, he descubierto a grandes artistas de los que nunca había oído hablar. Para mí, las galerías de arte son lugares donde aprender. Para usted, ¿qué función cumple una galería de arte? R.P.H. Mostrar lo que uno cree.

P. Al visitar sus exposiciones, a uno le da la impresión de que usted expone a artistas que le gustan de verdad, al margen de modas y tendencias puntuales. ¿Cómo se guía para elegir a “sus” artistas?

R.P.H. Me gustan, me motivan, me inquietan, me dicen algo…

P. ¿Cuánto hay de pasión, riesgo y capricho en su actividad como galerista?

R.P.H. 10 sobre 10.

P. ¿Cómo está afectando la crisis económica a las galerías?

R.P.H. Igual que la respuesta anterior.

P. Centrándonos en la exposición actual, ¿cómo surge la colaboración entre la galería y la Universidad Francisco de Vitoria?

R.P.H. Por pura casualidad; creo que les gustó el espacio y nos lo propusieron.

FRANCISCO CARPIO. Este es el primer año que realizamos EMERGE en la galería de Rafael. Buscábamos un espacio mayor, con más y más flexibles posibilidades expositivas. Conozco a Rafael como galerista prácticamente desde que abrió su galería y siempre me había gustado su apuesta e interés por el arte más joven.

P. ¿Cómo fue el proceso de selección de los artistas? ¿Qué buscaba el jurado?

F.C. Como comisario, me encargo de todo el proceso de selección, tanto de los recién licenciados de nuestra universidad, como –desde las 2 últimas ediciones– de otras facultades de Bellas Artes de toda España. En este caso he seleccionado 5 artistas de las universidades del País Vasco, Barcelona y Castilla La Mancha (Cuenca).

P. ¿Cómo valora el resultado?

R.P.H. Interesante para nosotros. No estaba muy convencido de lo que nos íbamos a encontrar pero Paco Carpio ha realizado una labor excelente. La mayoría de los proyectos nos sorprenden considerablemente.

P. En artistas tan jóvenes, con toda la carrera por delante, ¿qué rasgos intuye en ellos para considerar que tienen un porvenir prometedor?

F.C. Que tengan una voz propia, ya que, aunque las influencias son necesarias, es importante que aporten cosas personales.

P. En muestras como la actual, el papel del comisario se vuelve imprescindible. ¿Lo ve así también para artistas más consolidados? ¿Considera que en ocasiones la figura del comisario puede ensombrecer a los propios artistas?

F.C. Efectivamente, en experiencias como EMERGE, la figura del comisario es fundamental para vertebrar un discurso coherente dada la diversidad de propuestas y lenguajes creativos.  También creo que es muy importante cuando se trata de artistas más consagrados. El comisario actúa de nexo y bisagra entre el artista y el sector del arte, y aporta una base conceptual y discursiva imprescindible.

P. Las obras presentes en la exposición vienen acompañadas de discursos escritos por los propios artistas. ¿Considera que los discursos son imprescindibles en el arte actual?

F.C. Cada vez resulta más necesario fundamentar una obra artística en un discurso coherente y revelador. Absolutamente sí.

R.P.H. Sin ellos el espectador se queda fuera de juego.

P. ¿Qué le exige usted a una obra de arte?

F.C. Que me conmueva y que nunca me deje indiferente. Que me haga sentir y también pensar…

R.P.H. Tal vez demasiado, algo prácticamente imposible, que la obra sea atemporal, ajena al paso del tiempo. Cuando uno observa en el Prado el Descendimiento de la cruz de Roger van der Weyden, o en La Pinacoteca Brera  de Milán, la  Lamentación sobre el Cristo muerto de Mantegna, sólo me queda decir: ¡Tela marinera!

P. Hace un par de semanas, Félix de Azúa aseguraba en una entrevista que llevamos más de treinta años sin arte. ¿Cómo ve usted el panorama general del arte desde su puesto de galerista?

R.P.H. El arte es algo distinto al mercado del arte. Este está terriblemente  manipulado y dirigido. Yo, que soy un sujeto activo de dicho mercado, desde que tengo la galería visito el Prado y el Reina mucho menos que antes. Ah, y no se olvide que abrí mi galería por pura vocación.

F.C. Con todos mis respetos hacia Félix de Azúa, le considero mejor poeta que crítico… Precisamente creo todo lo contrario: el mundo del arte cada vez es más plural, más complejo y más apasionante, y es algo que constato día a día con mis alumnos, futuros artistas…

P. A pesar de que la crisis se está cebando con la cultura, ¿puede un artista joven sacar provecho de la situación actual?

F.C. Nunca ha habido tantas oportunidades (en forma de becas, ayudas, residencias, bolsas de viaje,  certámenes, etc.) para los artistas jóvenes. De todas formas, el único aspecto positivo de la crisis (si es que tiene alguno) es que actuará de filtro necesario para que sólo permanezcan aquellas voces más personales y auténticas.

R.P.H. Posiblemente el artista joven esté en una situación difícil antes y ahora. Deberá seguir adelante erre que erre, sabiendo que tiene una misión u objetivo que cumplir. Normalmente ninguna galería ni nadie le va a hacer ni pito de caso. Por eso… adelante!

EMERGE finaliza esta semana. Se puede encontrar más información acerca de la exposición y los artistas participantes en la página web de la galería: www.rphart.net/

Usua Pérez Echegoyen, La raíz de todo, 2012

Interview with Rafael Pérez Hernando and Francisco Carpio

Although its origins date back to 1996, Galería Rafael Pérez Hernando officially opened its doors in Madrid in 2004. It has since concentrated on promoting unknown or little-known artists. I first visited the gallery three years ago and saw a great show dedicated to Giorgio Griffa, a veteran with a solid career but who is almost a complete stranger in Spain. Despite cases like these, the gallery’s main interest lie in young emerging artists. It’s therefore no surprise to see them host an exhibition titled EMERGE. The show is a joint collaboration with Universidad Francisco de Vitoria (a university in the outskirts of Madrid), who annually hosts a prize for graduating art students from all over Spain. This year, they were given the opportunity to see their work shown at this gallery. Although the exhibition runs until the end of this week, I thought it would be interesting to hear what Francisco Carpio (the curator, as well as a professor at the university) and Rafael Pérez Hernando himself had to say about the exhibition.

Question. How did you decide to open an art gallery?

RAFAEL PÉREZ HERNANDO. It was out of pure necessity.

Q. What is, in your opinion, an art gallery’s function?

R.P.H. It has to show what you believe in.

Q. When I visit your exhibitions, it seems that the artists you choose are artists you truly like. What do you look for in “your” artists?

R.P.H. They’re artists I like, that motivate me, that unsettle me, that say something...

Q. What percentage of passion, risk and pure impulse goes into your job?

R.P.H. It’s a hundred per cent of everything.

Q. How is the economic crisis affecting the world of art galleries?

R.P.H. The same as above, one hundred per cent.

Q. How did the collaboration between the gallery and Universidad Francisco de Vitoria come about?

R.P.H. Pure coincidence; I think they liked our space.

FRANCISCO CARPIO. This is the first time we do EMERGE at Rafael’s gallery. We were looking for a larger space, with more flexible exhibiting possibilities. I’ve known Rafael practically since he opened the gallery and I’ve always liked his interest and promotion of young artists.

Q. How was the selection process?

F.C. As curator, I’m in charge of this process, and had to choose amongst the recent graduates of our university as well as from others from around Spain. In this case, I’ve selected five artists from the universities of the Basque Country, Barcelona and Cuenca.

Q. What’s your view on the result?

R.P.H. Interesting. I wasn’t too convinced on how it would turn out, but Francisco Carpio has done an excellent job. The majority of the works surprised us considerably.

Q. When you’re dealing with artists as young as these, what do you see in them that makes you think they have a promising career ahead of them?

F.C. I see they have their own voice. Although influences are necessary, it’s important for them to provide their individual views.

Q. In exhibitions like these, the role of the curator is essential. Do you think this is also the case for more renowned artists? Do you think that, in some cases, the curator can overshadow the artists?

F.C. For sure, in projects such as EMERGE, the role of the curator is fundamental in order to construct a coherent narrative. I also think it’s very important when the artists are more renowned. The curator acts as a link between the artist and the art sector, and provides a key conceptual support.

Q. The works in the exhibition each come with an essay written by the artists themselves. Do you consider these types of written discourses to be indispensable in art today?

F.C. It’s becoming increasingly important to base the works of art on coherent and eloquent discourses. Absolutely.

R.P.H. Without them, the spectator is left out of the game.

Q. What do you demand from a work of art?

F.C. I want it to move me and never to leave me indifferent. I want it to make me feel and also think.

R.P.H. Perhaps I ask too much, something impossible, and that is for it to be timeless, alien to the pass of time. When looking at The Descent from the Cross by Roger van der Weyden at the Prado Museum or Mantegna’s Dead Christ at the Pinacoteca Brera in Milan, one can only say, “My goodness!”

Q. A few weeks ago, Félix de Azúa [acclaimed Spanish writer and philosopher] said that there’s been no art for the last thirty years or so. How do you see art today from your respective positions?

R.P.H. Art is not the same as art market, which is terribly manipulated. I am an active member in this market and, since I opened my gallery, I visit the Prado and the Reina Sofia much less than before. And don’t forget I opened my gallery out of pure vocation.

F.C. With all my respects for Félix de Azúa, I consider him to be a better poet than a critic... I think exactly the opposite: the world of art is ever more varied, complex and exciting, and it’s something I see each day in my pupils, future artists.

Q. Despite the fact that the economic crisis is being hard on culture, do you think a young artist can somehow take advantage of the current situation?

F.C. Never before has there been so many opportunities for young artists: scholarships, residencies, contests... The only positive aspect of the crisis, if any, is that it will act as a necessary filter so that only the more personal and authentic voices remain.

R.P.H. Probably, a young artist has the same difficulties now than before. He or she must continue, knowing that they have a mission to accomplish. Normally, no gallery will take them very seriously. That’s why I say: keep going!

EMERGE runs until the end of this week. Further information about the exhibition and the participating artists can be found on the gallery’s website: www.rphart.net/

Las radiantes esculturas de Regine Schumann

La artista Regine Schumann (Goslar, Alemania, 1961) dice tener como referentes a Donald Judd y Dan Flavin. Pero también que en su época de estudiante admiraba, ante todo, a Matisse y Rothko. Esa base no parece haberse diluido del todo. Sí, es cierto que a primera vista sus esculturas sobrias se nos muestran como objetos impersonales, pero el material, metacrilato, tan parecido al de los minimalistas, no debe distraernos.

    Schumann es plenamente consciente del potencial de la luz y cómo ésta sirve no sólo para iluminar sino que es capaz de transformar la percepción del espacio. El metacrilato que Schumann utiliza tiene una coloración que cambia de manera radical dependiendo de la luz a la que la pieza sea expuesta, de modo que ésta tiene apariencias múltiples. Cuando yo entré en la galería Rafael Pérez Hernando, las luces habituales estaban veladas, sustituidas por unos tubos de luz ultravioleta. En la relativa oscuridad las esculturas se revelan como imponentes iconos fluorescentes. Se desvirtúa la percepción de esa sala de la galería donde un gran rectángulo amarillo cálido y su irradiación ocupan una pared entera.

     La inteligencia y sutileza de la artista va más allá de la impresión que causan a primera vista estas piezas luminosas. Si uno se acerca a ellas, comprobará que las planchas plásticas no tienen una coloración uniforme. Tomemos esa pieza amarilla a la que hacía alusión como ejemplo. Las planchas superior e inferior del paralelepípedo son rojas, y extienden su influjo cálido a la superficie amarilla del resto de la obra.

     Esta sabia combinación cromática puede verse también de manera clara en las bellas obras que encontramos en la sala que se encuentra al fondo de la galería: se trata de dos grandes mandorlas fluorescentes que están colgadas a muy poca distancia la una de la otra. Hay obras de arte que están hechas para verse exclusivamente de frente. Aquí, desde luego, ese no es el caso. Es muy sugerente comprobar cómo la obra cambia con sólo dar unos pasos y colocarnos en uno de sus laterales.

     El color alterado por medio de la luz negra llega también al terreno de la pintura. Schumann presenta papeles sobre los que ha empleado pintura de spray que, expuesta a la luz ultravioleta, se vuelve fluorescente. Por último, la artista explota las posibilidades de esta técnica mediante esculturas blandas hechas con gruesos hilos de plástico de distintos colores. La obra que da título a esta exposición, Touch Me! (¡Tócame!) –la pieza, efectivamente, se puede tocar– consta de un gran número de estas “cuerdas” colgadas del techo, creando una composición caprichosa, un amasijo de plástico que reverbera debido a la luz negra que resalta los colores fluorescentes. La sensación que crea, de nuevo, tiene sus efectos en todo el espacio.

     Hay un complemento a las obras de Schumann. La artista ha colaborado con el fotógrafo Alberto Frei (Südtirol, Italia, 1963). Las obras delicadas de éste suponen un contraste con las potentes obras de colores de la alemana. Ella explica así la colaboración entre ambos: “A través de mis muchos viajes y proyectos expositivos en Europa y Norteamérica, me focalizo cada vez más en la importancia de los lugares donde vivo, y cómo estos lugares influyen en mi forma de concebir las obras. Las obras de Alberto Frei muestran estos lugares.”

Regine Schumann/Alberto Frei. Touch Me! Galería Rafael Pérez Hernando. Orellana, 18. Madrid. Hasta el 3 de marzo.

Mandorla (Iris I, Iris II), 2008

  Regine Schumann’s brilliant sculptures

Regine Schumann (Goslar, Germany, 1961) says her greatest references are Donald Judd and Dan Flavin. But she also comments on how, as a student, she admired, above all, Matisse and Rothko. This doesn’t seem to have disappeared completely. Yes, it’s true that, at first sight, her sober pieces seem impersonal objects. The material used, plastic, so similar to that of the Minimalists, mustn’t distract us, though.

     Schumann is fully aware of light’s potential and that its function is not only to illuminate, but that it can also alter the perception we have of space. The coloration of the plastics she uses changes radically depending on the type of light it is exposed to; therefore, the works have multiple appearances. When I entered Rafael Pérez Hernando’s gallery, the lights commonly used had been blinded, substituted by tubes of ultraviolet light. In the relative darkness, the sculptures reveal themselves as imposing fluorescent icons. The perception of the room, where a great yellow rectangle and its irradiation covers a full wall, is distorted,.

     The artist’s intelligence and subtlety is shown by more than the mere first impression we get of the luminous pieces. If one approaches them, they will realise that the plastic sheets are not of only one colour. The superior and inferior sheets are red, and they shed their warm influence onto the yellow of the rest of the work.

     This wise combination of colours can also be seen in the beautiful pieces in the gallery’s last room: two almond-shaped fluorescent sculptures, hung very close to one another. Some works of art are made to be looked at from the front. This is not the case. It’s truly suggestive to discover how the works change when we take a few steps and see them from one of their sides.

     The use of black light is applied to painting as well as sculpture. Schumann presents a series of papers upon which she has sprayed paint that, once exposed to ultraviolet light, become fluorescent. Lastly, the artist exploits this technique further by creating soft sculptures made with thick strands of plastic of different colours. This work, that gives name to the exhibition, Touch me! –touching the piece is encouraged– consists of a great number of these colourful ‘strings’ that hang from the ceiling, resulting in a random composition, a plastic jumble that reverberates due to the black light that enhances the fluorescent colours. Again, the sensation it produces affects the whole space.

     Schumann’s works are complemented here by the ones of photographer Alberto Frei (Südtirol, Italy, 1963). His delicate pieces contrast with the potent colours of those of the German’s. She explains their collaboration in the following way: ‘Throughout my many journeys and exhibitions in Europe and North America, I concentrate more and more on the importance of the places where I live, and how these places affect my conception of the works. Alberto Frei’s works show these places.’

Regine Schumann/Alberto Frei. Touch Me! Galería Rafael Pérez Hernando. Orellana, 18. Madrid. Until 3^rd March.

Lara, Carvajal y la luz

Desde que se aceptó que la Historia del Arte no podía limitarse a ser un estudio de la historia de las formas, nuestro mundo “posmoderno” ha visto la apertura de muchos y variopintos caminos alternativos. Propongo –desconociendo si alguien ya lo ha hecho– que uno de ellos se titule “Historia de la luz”. Y es que la evolución de ésta es también la evolución de la historia del arte occidental. De la luz atemporal de perenne mediodía renacentista al descubrimiento de su potencial dramático en las obras de El Greco y Caravaggio; de la visión subjetiva a la plasmación científica: la concreción del tiempo a través de la luz por parte de los paisajistas naturalistas, desde los holandeses del siglo XVII a los impresionistas; y de ahí de nuevo a una luz indeterminada que vuelve extrañas y amenazantes las imágenes de De Chirico o Balthus.

     Después de los ejemplos citados, quizá resulte chocante comprobar que este preámbulo sirve para introducir a una artista que pinta lienzos no figurativos. Aunque el arte llamado abstracto cortara los lazos con la realidad visible, existen artistas que son capaces de encontrar la luz a pesar de utilizar solamente formas geométricas y colores planos. Acabo de descubrir a una: María Lara, que basa su pintura en la sucesión horizontal o vertical de bandas más o menos anchas de color.

María Lara, Sin título, 2010

     “Cuando llega la primera hora de la tarde, con la penetración de la luz poderosa al interior, este espacio se convierte en un lugar mágico, totalmente amarillo cálido, casi sin rastro de sombra; es un concierto de luz, la luz de los milagros”. Así habla María Lara de cómo se desarrolla su trabajo en el estudio, pero podríamos aplicar muchas de estas palabras a su propia obra. Su pintura, aunque geométrica, no es dura y fría. Vemos cómo las fronteras entre las bandas de colores no son definitivas; con frecuencia uno de los innumerables amarillos que emplea permite transparentarse el verde o el azul de la franja contigua. La luz parece moverse en dirección contraria: en vez de ser los focos los que iluminan los cuadros, da la impresión de que la luz viene de detrás de la tela y que los colores son un mero filtro. A veces esta luz es una luz intemporal como la de Rothko; otras, parece que esas franjas evocan paisajes concretos, veraniegos u otoñales, como los de Sempere.

Clara Carvajal, Pilar, 2011

     María Lara comparte aquí espacio –a modo de diálogo fortuito, no como una colaboración preestablecida– con la escultora Clara Carvajal. Si pensamos de nuevo en la luz como un posible hilo conductor de la historia del arte, a Carvajal habría que inscribirla entre los que utilizaron la luz como utensilio o materia prima. Pero existen al menos dos notables diferencias entre ella y Man Ray o Moholy-Nagy: en primer lugar, éstos se movían en un medio entonces muy novedoso como la fotografía, mientras que Carvajal utiliza como soporte algo tan primitivo como la madera. Segundo, los que experimentaban con la fotografía colocaban distintos objetos sobre el soporte fotosensible y luego dejaban que la luz actuara indiscriminadamente sobre la superficie, dependiendo el resultado final de la densidad de los objetos. Por su parte, nuestra artista controla en todo momento lo que hace con la luz: utiliza una lupa para dirigirla y quemar la madera, creando así dibujos que de lejos podrían parecer efecto de un carboncillo o la incisión de una gubia. Estas obras suponen una significativa unión entre lo orgánico y la creación humana, que en obras como Pilar parece remitir al origen mismo de la civilización, a monolitos prehistóricos decorados con símbolos abstractos pero llenos de significado.

     Esta exposición nos presenta, pues, dos maneras de abordar el fenómeno lumínico en el arte: frente a la luz sutil y evocadora de María Lara, la luz hiriente e incisiva de Clara Carvajal. Lamento escribir este texto cuando apenas queda un día para que acabe la muestra, pero he creído justo dejar constancia de ella igualmente. De todas formas, en la página web de la galería se puede encontrar una selección de imágenes de obras de ambas artistas en el apartado de “artistas de la galería”, así como una versión digital del catálogo de una exposición anterior de María Lara.

Luz y origen. Galería Rafael Pérez Hernando. Orellana 18, Madrid. Hasta el 26 de noviembre.

Lara, Carvajal and light

It’s long been accepted that Art History cannot limit itself to the study of the history of forms, and our ‘postmodern’ world has opened up many and diverse alternative routes. I propose –I ignore if someone has already done so– that one of them should be called ‘History of Light’. Because the evolution of the representation of light is also the evolution of Western art. From the perennial noon of the Renaissance to the discovery of light’s dramatic potential in the works of El Greco and Caravaggio; from the subjective view to the clinical one of the realist landscape painters, from the 17^th Century Dutch to the Impressionists; and then back again to the undetermined light that makes De Chirico’s or Balthus’ scenes strange and menacing.

     After the examples cited above, it might seem strange to see they serve as an introduction to a non-figurative painter. Despite abstract art’s divorce with visible reality, there are some artists that are able to find light amongst geometrical shapes and plain colours. I have just discovered one: María Lara, a painter who bases her work on horizontal or vertical successions of strips of colour.

     ‘At afternoon’s first light, with the penetration of powerful light inside, this space becomes a magical place, a totally warm yellow, with hardly a trace of shadow; it’s a concert of light, the light of miracles.’ These words are used by María Lara to describe a day in her studio, but they could perfectly refer to her own paintings. Her work, in spite of being geometrical, is not hard or cold. We see how the borders between colours are not definitive; frequently, one of the many kinds of yellow she uses will timidly show underneath the trace of the blue or green that lies next to it. Light seems to move the wrong way: instead of the lamps being responsible for the illumination of the paintings, we could be under the impression that the light comes from behind the canvas, the colours being mere filters. Sometimes, that light is timeless as Rothko’s; others, it seems those strips recall landscapes, Summer or Autumn, as the ones of Sempere.

     María Lara shares her space here –as a fortuitous dialogue, not a pre-established collaboration– with the sculptor Clara Carvajal. If we think again, returning to the introduction, of light as a possible conductor of art history, we would have to inscribe Carvajal amongst those who used light as an instrument or prime matter. But there are significant differences between her and Man Ray or Moholy-Nagy: firstly, these worked with a then very new medium, photography, whilst Carvajal resorts to a material as primitive as wood. In second place, those who experimented with photography placed objects on the photosensitive paper and then let light act with no discrimination, in which case the final result depended only on the density of the objects used. Meanwhile, our artist is constantly controlling the light: she uses a magnifying glass in order to direct it and burn the wood, with which she is able to make drawings that from a distance could seem the work of charcoal or a chisel. These works are a significant union of the organic and the hand of man, which in works such as Pilar seems to evoke civilization’s wake, prehistoric monoliths decorated with abstract symbols full of meaning.

     This exhibition presents, therefore, two ways of approaching the use of luminosity in art: against the subtle and evocative light of María Lara, the wounding and incisive light of Clara Carvajal. I regret writing this text when only one day remains for the show’s conclusion, but I thought it fair to write about it all the same. In any case, the gallery’s website provides a selection of works by both artists in the section titled “artistas galería”, along with a digital version of a catalogue of one María Lara’s earlier exhibitions.

Light and Origin. Galería Rafael Pérez Hernando. Orellana 18, Madrid. Finishes 26^th November.